GTA: San Andreas

No es nada atractivo un lugar donde está permitido,  golpear a cualquiera, vivir en el vicio, conducir en forma desenfrenada, tener sexo con prostitutas y después golpearlas, robar a manos libres, y huir de las autoridades. Cualquier moralista iría en contra de los contenidos que presenten cargas excesivas de violencia, diría seguramente los medios fomentan la violencia, que son modelos simbólicos en la fijación y establecimiento de las conductas, entre muchos otros. 

Pero de repente en 1996, David Jones,  Sam Houser y Dan Houser, crearon una saga que trasgrediría todo lo escrito en videojuegos, tanto como en contenidos como en formas, esta serie se llamó Grand Thief Auto.  Originalmente fue creada por la empresa DMA Design, que posteriormente pasó a llamarse Rockstar North, de la empresa Rockstar Games. 

En medio de la polémica, este videojuego resultó ser una novedad por la trama de los criminales, la forma en que es presentada, gracias al género sandbox, o sea la presentación de una historia no lineal; y sobre todo que lo cuadrado del videojuego ya comenzaba a ser parte del pasado, pues en esta ocasión el jugador tenía toda la libertad del mundo para desplazarse y hacer cualquier cosa en vista cenital.   De inmediato, el videojuego se extendió a otras consolas como Game boy de Nintendo, además de PC, PlayStation.

Para 1999 salieron otras versiones como Grand Theft Auto: London 1969, Grand Theft Auto: London 1961, Grand Theft Auto 2.

Pero ya en 2001 y en 2002, cuando salieron a la venta Grand Theft Auto 3 y Grand Theft Auto: Vice City respectivamente, se cambió a una vista en tercera persona y en una ambientación en 3D basada en ciudades como Nueva York y Miami. En 2004,  salió Grand Theft Auto: San Andreas, basada en el estado de California durante 1992 con la expansión de pandilleros en las ciudades como Los Ángeles (Los Santos) San Francisco (San Fierro) y Las Vegas (Las Venturas) en el videojuego. Esta última versión fue la más vendida para PlayStation 2 con 20,17 millones de copias.

Este videojuego si bien tiene gráficos muy primitivos, es interesante desatacar el tracklist con canciones de  The Who, Deodato, The Ohio Players, Toto, Faith No More, Depeche Mode, James Brown, Soundgarden,KISS, Kid Frost, Rage Against the Machine, Danzig, Alice in Chains, Marshall Jefferson, Frankie Knuckles, Guns N' Roses, Snoop Dogg, N.W.A., Cypress Hill,2Pac, Ice Cube, Dr. Dre, Eazy-E, Stone Temple Pilots, Lynyrd Skynyrd y Ozzy Osbourne. Además de que dentro de la historia hay diferentes estaciones de radio, de todos los géneros habidos y por haber, en la última versión hay la posibilidad de que el jugador elija e interactúe con la programación de radio,  a diferencia de las versiones anteriores donde cada estación de radio era esencialmente un único archivo de sonido en bucle, con las mismas canciones y avisos en el mismo orden cada vez, y en las versiones para Microsoft (Pc y Xbox) el usuario puede crear su propia banda sonora.

Todas las composiciones musicales se complementan con las anafonías de movimiento, sonidos que remiten a los golpes, coches que frenan súbitamente etcétera. 

Retornando al primer punto, la violencia grafica para nadie es algo bello o algo de que presumir, sin embargo, si a uno como jugador le ofrecen la posibilidad de descargar sus frustraciones en un personaje. El jugador es el protagonista de la historia, puede amoldarlo de acuerdo a sus proyecciones y si la plataforma se lo permite, qué mejor.  Se trata de vivir en nuestro mundo y jugar en el de ellos (los videojuegos)

El Cristal de Smirnoff

El alcohol por lo general se promociona bajo el supuesto de ser otorgador de estatus y casi siempre asociado a la conquista o galanura. Las regulaciones de cada país prohíben a los anunciantes, que en la publicidad se exhiba el consumo de este producto, esto da la pauta de que se pueda experimentar con la forma, y romper con ese pastiche tan conocido en la publicidad.  


El comercial llamado "Smarienberg" de la conocida marca de vodka "Smirnoff" saltó a la luz en noviembre de 1997 de la mano del director francés Michel Gondry,  algunos críticos consideran que este trabajo es la musa de Matrix y el famoso vídeo musical de "Star Guitar", de The Chemical Brothers.  Miche Gondry se adelantó al bullet time y a la adición de efectos digitales, un claro ejemplo es en la bala que siempre pasa por la botella, la mosca que vuela. el agua que cae al barco,  o la adición de truenos que acompañan a la pareja principal durante su trayecto de viaje, la botella que se reconstruye, y sobre todo la mirada del cristal - una ilustración del famoso refrán: "Todo depende del cristal con el que se mire"- . Este último elemento resulta totalmente atractivo, pues se matan dos pájaros de un tiro: se anuncia el producto (objetivo principal) y se cambia de espacio y de tiempo


Los cortes realizados son imperceptibles, debido a la rapidez con la que transcurren las escenas, Michel Gondry logra engañar al ojo humano, pareciendo que se trata de un plano secuencia, donde el hilo conductor son las transiciones del del bar a la habitación, de la habitación a la ventana, de la ventana al barco, del barco al tren, del tren al desierto invadido por Extraterrestres, del desierto a la ciudad, de la ciudad al callejón y del callejón al cuarto. 


La música es una fusión entre Tecno y trip hop, como un indicador de estilo que remite totalmente al dinamismo y metamorfosis de escenarios que hay durante la persecución narrada.. Los sonidos incidentales son anafonías de movimiento, por ejemplo en el trayecto de la bala y el desplazamiento del tren. Hay varios indicadores de estilo, en la sirena de la patrulla, en los disparos de rayos láser de los extraterrestres, el cristal que se rompe.  


Michel Gondry  experimentó con la digitalización del audiovisual, y rompió con esa vieja escuela de anunciar algún producto con metarrelatos inverosímiles. Da sentido a que lo que se ve parece ser real, pero en realidad se está evolucionando a una virtualidad en donde aún se aprovechan los beneficios de lo analógico. Es decir, más que ser una reconciliación entre real y ficticio, digital-analógico, es ya una transición hacia la nueva era audiovisual.  Con esto Michel gondry hace una revolución dentro de su carrera como en el resto de la cultura audiovisual.  

Inception (El origen)

Ficha Técnica:


Director: Christopher Nolan

Producción: Christopher Nolan, Emma Thomas

Guión: Christopher Nolan

Montaje: Lee Smith

Música: Hans Zimmer
Fotografía: Wally Pfister
País: Estados Unidos
Año: 2010
Duración: 148 Min
Género: Thriller, Ficción, Drama 

Productora         Legendary Pictures, Syncopy Films

Distribución       Warner Bros

La narrativa siempre es un ente que va desde lo simple a lo complejo,  son como los sueños a veces uno como espectador se sume en ellos que no sabe si en realidad está proyectando su inconsciente ante el mundo, y si todo lo demás es una máscara que cubre los temores, las pasiones y las realidades de la psique humana que cualquiera puede aprovechar para derribar la seguridad del otro. 

Éste es el punto de partida del más reciente trabajo del director inglés Christopher Nolan, recordado por la señorial producción The Dark Knight, quien ahora replantea el género de la ciencia ficción con nuevas temáticas y sobre todo deseos de arriesgar y de llevar al espectador al enredo y la confusión mediante el montaje, y el desbrave entre lo real y lo ficticio. El también guionista se basó en la idea de: El cerebro es la parte más perfecta de nuestro cuerpo, pues almacena experiencias, lo que vamos aprendiendo en la vida, y es capaz de jugarnos malas pasadas al no saber si lo que vivimos es real o es un sueño,


El argumento es arrebatador, pues con frases como:   “Tú creas el mundo del sueño, tú llevas al sujeto a ese sueño y él lo llena con sus secretos”, "Dijiste que habías soñado que creceríamos juntos" o  "Te extraño más de lo que pude imaginar, tuvimos nuestro tiempo,pero debo dejarte ir"  cualquiera cae rendido a los encantos.  

Michel Gondry ya había hecho un experimento similar con 'La Ciencia del Sueño' sin embargo, son dos formas totalmente distintas de tratarla, pues el cineasta francés jugaba con cartón, celofán, algodón y cuanto material para hacer manualidades se le pusiera enfrente; en cambio, Nolan lo hace con efectos de Bullet time bastante atinados, o las levitaciones que Cobb y Arthur hacen en las habitaciones, un tren que circula sin rieles. Además de las majestuosas locaciones que se manejan : desde el desierto en Marruecos a las nieves de Calgary, Canadá,Tokio, París y Los Ángeles, que son resaltadas en todo momento, como por e

La fotografía es uno de los elementos más brillantes, maneja colores amarillos para los interiores, sin embargo, hay un marcaje entre lo real y lo ficticio, por ejemplo cuando aparece el recuerdo de Mal se ven sombras que iluminan a Cobb, denotando que este personaje tiene una historia que le duele y que es la debilidad que lo acompañará en la trama. 

La película genera tensión  conforme va avanzando gracias a la música y al juego de imágenes y recuerdos.  La banda sonora, impecable, Hans Zimmer retrató el sentido de "El Origen", y a su vez la música le dio coherencia al film, no se puede evitar dejar de pasar en lo efímero y lo relativo que es el tiempo y espacio, ni en la transgresión de las leyes de gravedad que Cobb desafía.  Una vez más se hace acreedor de un digno reconocimiento, ya en el Rey León y en Dark Knight lo tuvo.  

Respecto al reparto, es atinado, se pensaría que por el protagonismo de Leonardo di Caprio en la trama se trata de un film adolescente y rosa. Pero parece que el di Caprio de Titanic, Romeo y Julieta quedó atrás, ya se le ve una madurez actoral convincente. 


El origen es una de las películas inolvidables a los adeptos del cine de ciencia ficción. Tiene potencial para prevalecer y ser considerado como referente para producciones posteriores.  Valió la pena que Nolan se haya tardado una década en formular Inception, pues el resultado es una producción sofisticada.  Es una lástima que su distribución en México se haya limitado por las grandes cadenas de complejos cinematográficos. 

House Of Flying Daggers

La casa de las dagas voladoras.

La dinastía Tang fue de las más poderosas en la historia de la China del siglo nueve antes de nuestra era, hacia el 859 antes de nuestra era, la dinastía cayó en declive debido a la corrupción e incompetencia del emperador. Surgen grupos de protesta, el más importante: 'la Casa de las dagas voladoras’, sus delitos: robar a los ricos para entregárselo a los pobres, pese a los ataques a las cabecillas, esta organización se extiende más. En 2004, tras el éxito de “El Héroe”, Zhang Yimou presenta una versión corregida y aumentada en una historia arrebatadora que narra la historia de un triángulo amoroso situado en este contexto.

Película colorida y de amplio dinamismo como debe de ser una película del género ‘wuxia’, una especie de épica embellecida. Se recurre al bullet time en los momento de tensión, como por ejemplo cuando las espadas están cerca de los cuellos de los combatientes, aunque las armas no necesariamente sean de metal como lo que pasa en la escena del enfrentamiento en el bosque de bambú, la tensión se construye gracias a la oscuridad y a la saturación de tallos de este árbol, no se pueden establecer comparaciones, pero esta secuencia remite un poco a las batallas de “Siete Samurais” del legendario maestro Kurosawa.

Por otro lado, está la escena del combate en el campo de flores, otra de las escenas más bellas de este género donde la puesta en escena es la protagonista muy por encima de la acción transcurrida, es algo parecido a una de las escenas de “El Héroe” donde las dos féminas están en un duelo a muerte, donde el fondo musical, cortesía de Shigeru Umebayashi, lleva al filo de la butaca.

Al principio se muestran coloridos kimonos de las combatientes de ‘La Casa de las peonías’, con hazañas dignas de una geisha al puro estilo de Mija Jovovich en Resident Evil o alguna otra heroína, sus acrobacias se retratan en bullet time, mientras la coreografía tiene velocidad y sensualidad, produciéndose una excitación  El interior de la casa a principio da esa idea de cerrazón al mundo, tensión y enfrentamiento constante. La decoración tiene acabados perfectos, prácticamente son indicadores del estilo Dunhuang y consiguen lograr esa reconstrucción arquitectónica típica de la dinastía Tang. Un aplauso al trabajo de Zhong Han y Bin Zhao, pues esa exigencia se ve reflejada en la realización.

En las escenas de Mei y Jin cambia el escenario, los bosques ucranianos son la atmósfera que atestigua este idilio con ello las escenas tienen cierta tensión debido a los peligros que representan el ser descubiertos. La saturación del color es a niveles medios y no hay una predominancia de ciertos colores, a diferencia de “El héroe”, sin embargo, la calidad de la película no se pierde en ningún momento, al contrario esta cautela es uno de los ganchos para el espectador. El formato utilizado, Super 35, y el tratamiento a la imagen a través del Digital Intermediate resaltan las formas del boscoso paisaje, pese a las dificultades que implica filmar en estas latitudes debido a las inclemencias del tiempo

Pareciera que la nieve del final es un error de continuidad, sin embargo, se resuelve este conflicto gracias al software, pues se le añadió a las escenas subsecuentes y puede justificarse como un contraste entre la pasión desatada, idea de calor y rojo, y una montaña nevada.  Esta película sobresale por sus batallas, por la complejidad de sus personajes, pero lo que mata todo esto es la visualidad, siempre presente en la naturaleza, pero embellecida a su máxima expresión.

El héroe

 El héroe

Hace algunos milenios, el filósofo chino Sun Tsu, escribió su obra máxima el Arte de la Guerra, en donde se imprimía toda la filosofía del tao aplicada a la guerra, establecía los principios de esta actividad, de modo que tuviera un sentido “estético” en donde el honor iría por encima de todas las cosas. En esta ocasión el “Arte de la guerra” es representado visualmente por Zhang Yimou, en un arrollador film lanzado en 2002.

Esta película desde un inicio marca un tono épico, salen los planos holandeses en donde se ve el paso de los caballeros y sus banderas. La muchedumbre es hecha con ayuda de las capas, pues a Prevalecen los indicadores de estilo como las espadas, patadas, los caballos, carruajes, cascos. Al principio los colores se ven con una luminosidad máxima, a diferencia de la otra batalla ocurrida a la mitad de la película, donde a la escena se le aplica un filtro de color azul.

En las peleas, es interesante el movimiento que hacen los personajes. Los saltos que dan son hechos en una especie de bullet time, las cámaras siguen cada movimiento. Cuando los dos guerreros se quedan suspendidos en el aire, da la impresión de que se están manejando capas. En este sentido, la música de fondo es sumamente tensa, uno como espectador se mantiene al filo de la butaca en espera de quién será el vencedor y el vencido. Es evidente el manejo de capas en la escena donde uno de los guerreros corre a través de la lluvia, como si atravesara un muro de agua, finalmente derriba a su adversario en un efecto de bullet time.

Cuando llega el hombre viejo y uno de los combatientes comienza a recordar la riña, se ve en blanco y negro. Con un indicador de estilo que remite al sonido del Sanxian (instrumento cordófono chino), típico de las culturas del Lejano Oriente.

Una de las escenas bien logradas es la de la trayectoria de la flecha, un viaje en cámara subjetiva, en donde al final se ven los caídos por esa ráfaga de flechas. Al salir uno de los gurús de la casa sucumbida, su expresión de tristeza se imprime en el rostro, cuando se sienta en la silla y está rodeado de flechas, hay una gran nostalgia, gracias al tono de la música. Afuera del lugar, las acciones de defensa son impresionantes, casi todas ellas recurren al bullet time, aunque la música mantiene esa nostalgia, la energía y el tono de la acción es lo que hace que esta escena sea épica y honorable. En este bloque prevalecen los tonos rojos con una saturación máxima, el brillo resalta esta idea de ser guerrero, héroe y persona de honor.

En la batalla de las mujeres es notable el uso de capas en los saltos, en algunas ocasiones donde se recurre al bullet time, de ahí en fuera hay un dinamismo gracias a los movimientos de las féminas. Es muy buen recurso el movimiento de las hojas secas, de hecho, se complementa la actividad. Cuando finalmente muere una de las combatientes, todo el paisaje se torna rojo, minutos antes prevalecía el amarillo y el naranja, los fondos de los árboles son diseñados a computadora, otra vez por medio de capas.

La escena de la batalla en honor a “Nieve Voladora” es increíble, en un principio se oyen pájaros, la voz en off que explica que es una batalla por la mente. Se recurre a las capas cuando los combatientes caminan sobre la superficie del agua sin hundirse, primero enfocado en ángulo en contra picada y después desde el fondo del lago. Al final la lágrima que cae en el rostro de la difunta, hace que uno de los milicianos se aleje volando. Del mismo modo, se utiliza un filtro azul, la música de fondo remite a la tristeza del adiós.

Los escenarios de este film están diseñados para vivir las batallas y la filosofía china en cuanto a la guerra. Hay demasiados paisajes montañosos, praderas, lagos (se parece a una locación de Karate Kid 3 donde el señor Han lleva a su pupilo a entrenar y meditar). Las fachadas con su tejado curvo, pilares ornamentados con dragones y otros iconos. Adentro, las cortinas semi traslucidas, los tapetes de madera plegables, los biombos de bambú.

El final de la película es arrollador, el amor de dos seres, sucumbe frente a la adversidad, y a veces es sacrificio de una vida por otra. Son dos escenas que se contraponen no solo en su contenido, sino en la forma. Los amantes están en un peñasco naranja, con amplios espacios a cielo abierto, mientras que en el palacio, las tomas son sumamente cerradas y tensas. Y la música debiera de serlo así, pero tiene un tono sumamente fúnebre donde la épica se transforma en drama.

El epígrafe del film es una síntesis perfecta de esta película: un long shot a la muralla china, una obra que debe de ser guardada para la posteridad.

Violencia a la mujer: un golpe que duele al mundo

El día de hoy se conmemora el día Internacional contra la Violencia a la mujer. Esta fecha fue declarada  en el Ier Encuentro Feminista de Latinoamérica y del Caribe celebrado en Bogotá (Colombia) en julio de 1981 debido a la presentación de denuncias por parte de las féminas, se eligió este día en conmemoración de la muerte de las hermanas Mirabal (Patria, Minerva y Maria Teresa), disidentes políticas durante el régimen dictatorial de Rafael  Trujillo en la República Dominicana,  ocurrida el 25 de noviembre de 1960.  

Hasta 1999 la ONU institucionalizó esta fecha. Asimismo debido a la proximidad de celebraciones y conmemoraciones (25 de noviembre, 29 de noviembre -Día Internacional contra la Mutilación Femenina-, 1ero de diciembre -día internacional de Lucha contra el SIDA-, 6 de diciembre - Conmemoración del aniversario de la Masacre en Montreal en donde fallecieron 14 compañeras feministas- y el 10 de diciembre - aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos),  el Centro de Liderazgo Global de las Mujeres, CGWL inició hace diez años la campaña internacional "16 días de activismo contra la violencia hacia las mujeres". 

En México, las cifras de violencia a las mujeres son alarmantes: 

Según la Encuesta Nacional sobre la Dinámica de las Relaciones en los Hogares elaborada por el Inegi, el  70% de las poblanas sufre algún tipo de violencia en su hogar, trabajo o escuela; 40% de ellas es víctima por parte de su pareja.

En México ocurren mil 205 asesinatos de mujeres al año, cifra que está por arriba de los indicadores de violencia comparado con otros países como España, según la Organización para Estados Americanos (OEA)

En Ciudad Juárez los feminicidios no parecen tener fin. Cada 29 horas una mujer muere por esta causa. Para el 2010 se han reportado 26 mujeres desaparecidas , cifra 400% superior respecto a la de años anteriores (2008 con 18 mujeres desaparecidas y 2009 con 22).

El primer lugar en agresiones contra la mujer lo ocupa Jalisco (78.5%), le sigue el estado de México (78.2%), el Distrito Federal (76.8%), Colima (71.3%), Aguascalientes (70.6%), Durango (70.1%), Puebla (69.8%), Morelos (69.3%), Sonora (68.5%) y Chihuahua (67.7 por ciento)

Pese a que los gobiernos locales y ONG'S  han realizado esfuerzos por erradicar este padecimiento social, la impunidad es el gran ganador de todos ellos. Desgraciadamente la impartición de justicia en este país es totalmente ineficiente, y del sistema educativo ni se diga. El machismo y la misoginia aparecen siempre entre las mismas mujeres. El miedo prevalece entre la cultura de este México 

Las demandas y denuncias no deben de quedarse en este día, las pequeñas acciones por parte de cada uno son un gran paso para erradicar un problema de grandes magnitudes.  

Les dejo una canción que para mi es un himno, y debería de serlo para la historia de miles de mujeres del mundo.  Se llama Bajo el Suelo del grupo español Boikot.  

¡Justicia y solución a todos los crímenes impunes a las mujeres de todos los países! 

¡Respeto a nuestros derechos! 

¡Cada golpe que recibe una mujer, es una herida para la mitad del mundo! 

Vals con Bashir, el color de la guerra

Ficha Técnica:

Dirección: Ari Folman

Producción: Yael Nahlieli, Bridgit Folman Film Gang, Israel

Serge Lalou, Les Films D’ici, Francia

Gerhard Meixner, Razor Film, Alemania

Roman Paul, Razor Film, Alemania

En coproducción con Arte France: Thierry Garrel, Pierrette Ominetti (Dirección de Documentales),Itvs International

Dirección artística: David Polonsky

Animación: Bridgit Folman Film Gang

Director de animación: Yoni Goodman

Jefes de animación: Tal Gadon, Gali Edelbaum

Animadores: Neta Holzer, Asenath (Osi) Wald, Sefi Gayego, Orit Shimon, Zohar Shahar, Lilach Sarid, Barak Drori Animación 3D: Asenath (Osi) Wald

Montaje: Nili Feller

Música: Max Richter

Duración: 90 minutos

Género: Animación, biopic, drama

Países: Israel, Francia y Alemania

Año: 2008

Galardones recibidos:

Festival de Gijón 2008 : Mejor dirección artística y Premio jurado joven

LAFCA 2008 (Asociación de críticos de Los Angeles): Mejor película de animación

BAFTA 2008: Mejor película extranjera.

EFA 2008 (Academia de cine europea): Mejor Banda sonora

GLOBOS DE ORO 2009: Mejor Película de habla no inglesa

Reseña: 

A veces la sangre tiene olor a desolación. En general el desierto de la península arábiga evoca a la guerra y a la destrucción. Corría el año de 1982 y Ari Folman era un combatiente de la guerra Israel-Líbano junto con miles de soldados más. Un buen día uno de esos veteranos busca al director para contarle que cada noche ve que 26 perros lo persiguen. Los recuerdos los absorben y transforman su visión del mundo a una expresión surrealista en donde sin duda alguna está impresa la historia de vida de los protagonistas.

Vals con Bashir le hace honor al que fuera mandatario del Líbano, Bashir Gemayel, y a la matanza de miles de palestinos en territorio libanés por parte del ejército israelí ocurrida el 15 y 16 de septiembre de 1982. Estos son los puntos de partida de este film y el origen de los recuerdos de Ari y su colega. Nominada al Oscar en 200

La construcción documental de esta película rompe con la tradición del documental estilo Discovery Channel, la forma en que los testimonios son captados es única pues no se hacen las típicas entrevistas frías, sino que son como una especie de charla común entre compañeros. Además el origen, la guerra contra Líbano, es drmamatizado de tal forma en que el espectador olvida que está viendo una documental.

Las escenas de la guerra son totalmente crudas y a veces incoloras, Ari Folman optó por la animación en 3D y algún tipo de animación en el que se editó la película con un filtro, o sea efectos de edición similares a los de un cómic -me remonta inmediatamente a Heavy Metal-. Esta construcción estética hace que el alto contenido bélico y crudo del film sea maquillado, es decir, se vea bonito, llame la atención. Seamos sinceros a pocas personas les gusta ver escenas de crímenes de guerra realistas, así que no hay mejor forma que presentarlas en dibujos animados sin que eso implique romper con la seriedad del género.

El drama que se le imprime a la historia gracias tanto a los cortes, las entrevistas y demás testimonios es arrebatador. Las expresiones de los participantes conmueven al espectador, hacen sentido en las emociones. Toda este fondo es el que hace que este documental tenga color. Sin duda alguna. el surrealismo y el realismo se fusionan e interiorizan ante los ojos de quien vea este film.

Les dejo el trailer, la película completa pueden verla en You Tube o si quieren comprarla, pueden hacerlo.  

Marian, una historia que contar

Dentro de las jodas semanales de la materia de Discurso audiovisual salió ésta: un videoclip de la canción "Marian" (original del grupo de gótico Sisters of Mercy)  interpretada por el grupo de bossanova, Nouvelle Vague. El equipo experimentó con la técnica de animación por rotoscopía, disfrútenlo y destrózenlo.  Pueden encontrarlo en YouTube como: Marian, una historia que contar (Haz click) (se ve un poco mejor) 

Protagonistas: Christopher Camacho, Paulina Covarrubias 

Dirección: Tania Blanco, Luisa Quiroz 

Producción: Raymundo Rincón 

Pos producción: Raymundo Rincón 

Vestuario: Georgina Larruz 

Casting: Georgina Larruz 

Utilería: Georgina Larruz y Raymundo Rincón 

Libreto: Tania Blanco, Raymundo Rincón, Georgina Larruz 

Musicalización: "Marian" cover de Nouvelle Vague de "Marian" Sisters of Mercy

El extraño mundo de Jonze

Despiertas y todo lo iluminado por la oscuridad se pintará de colores, se dibuja tu habitación y corres por la ciudad que de repente se ilumina un árbol, se aparece un oso de la nada, y te arrojarás l precipicio, y reaparecerás en la ciudad. Nada es imposible, dice la marca Adidas, ni siquiera el mundo que se dibuja cuando regresas a tu confortable sueño, después de que volteaste el mundo de cabeza. Richard Hair amenizará la música y te llevará a un mundo fantástico y experimental, donde el contrapunteo seguirá tus pasos.

Si algún día te toparas un vídeo así ten por seguro que es del director Spike Jonze, una reconocida figura en el cine experimental estadounidense que termina trasgrediendo las leyes de la narrativa y de la verosimilitud. Como por ejemplo en el comercial Levi's Doctors, donde se imita a la serie de E.R. con tomas en contrapicada y picada que muestran el ingreso de un herido a la sala de urgencias, el suero que alimenta sus venas, las expresiones de angustia y de dolor de los médicos, pero todo cambia cuando el paciente comienza a cantar, mueve sus pies, y el quirófano entero comienza a bailar en pleno júbilo. O bien de los seres antropomorfos (con cabezas de Robots y perros) como los de I'm Here o Da Funk.

California, letra de un grupo llamado WAX es el recorrido de un hombre que arde en llamas (literalmente) mientras corre por las calles de una ciudad de ese famoso estado gringo. Donde la cçamara se aleja paulatinamente. Sus pasos son lentos respecto al ritmo de la música. Y la sorpresa viene cuando resulta que el recorrido realizado por la cámara es visto desde un automovil en movimiento. Este video, para mi es de los precursores del famoso Jackass y de Cameras Wrecked, un video de culto para aquellos fans del skateboarding. Jonzen no se conformó con homenajear este deporte, sino que también le dio chamba a Mark Gonzalez (el padrino del Skateboarding, como se hace llamar) en How To Get There, donde literalmete vuela como un sk8 a raiz de que es atropellado.

Cameras Wrecked, muestra las mejores hazañas del skateboarding. Flips en al aire, riel que rueda en el piso vistos desde un filtro de ojo de pescado y en algunos momentos parece remontar al bullet time. Todas esas estrellas de la tabla son anónimas, las tomas en picada enfatizan los trucos del skate, y esa especie de travelling que sigue la primera patineta es maravillosa, casi en calidad HD.

Jackass y el skate revolucionan el estilo de la forma de hacer videos, en el You tube circula un video que hace un homenaje a Jonze, Spike Jonzen's Twizzler, promocionado por la marca de tenis, Lakai Limited Footwear.

Do Something es un experimento de la animación y en engaño al ojo humano, pareciera que la animación hecha a lapiz es en verdad, sin embargo, la complejidad a la que se llega es maravillosa. Pero eso se lo dejo a ojitos del expectador, y tiene derecho a refutarme en el tipo de animación

Triumph of a heart es otra de las proezas del director, este single del álbum Medulla de la cantante islandesa Bjork, el video trasgrede las instituciones sociales, critica los roles asumidos y legitimados. Y que sólo se ve una secuencia, lo demás es discontinuidad pura, aun en las tomas donde Bjork está conbebiendo. Salta, sobre todo, la taberna de los chicos, que nada tiene que ver con las primeras escenas y mucho menos con el 'marigato' (caracterizado en todo momento gracias a la magia de la animación) que aparece al inicio del video. El triunfo del corazón se simula con los corazones montados que Bjork destila en su caminata por los paisajes. Aunque la canción es pegajosa y el video da ternura, no me gusta esa transición que hace cuando Bjor y su gato recién besado bailan, me parece muy de Movie Maker.

Y ya que entramos en el tema de los animales en vídeos, llama la atención el de Island in the sun, del grupo Weezer. Interactúan con los integrantes de la banda y qué mejor escenario que una pradera soleada y armoniosa, lo que le da un realce natural. Hay disolvencias hermosas como la del paneo que se hace al valle, mientras un cachorro tigre bosteza en contrapicado, o la del monito que está volando en el cielo, y a su vez se ve un paisaje de fondo, o la de las mariposas y los árboles. Mejor descripción de la canción no pudo haber.

Les dejo el link de tres de los trabajos que más fueron de mi agrado: Adidas , Island in the sun y el Trailer de I'm here.

Chris Cunningham

El cine, el videoclip, la publicidad y el videojuego ya no se distinguen uno del otro. Una prueba más de ello es el trabajo de Chris Cunningham, director de origen , uno de sus trabajos más conocidos es el videoclip de All Full is love, interpretado por la cantante islandesa Bjork, donde formula una propuesta del amor robótico, las tomas siempre son en picada para resaltar los rasgos de la robot que canta mientras la ensamblan. Todo el videoclip expresa la tranquilidad de la canción, los movimientos no son tan agresivos y de hecho todo es obvio y blanco, como el fondo y el cuerpo de los robots.

Come to Daddy arrebata los oídos, los gritos estruendosos de la televisión con la cara deforme se sincroniza con los niños que golpean, corren y juegan en la basura. Escenas que de no ser por la música, no causarían esa tensión en el espectador. Finalmente el surgimiento del cuerpo desnudo y flaco pone la cereza del pastel a esa idea de caos y entropía estresante.

En Statistics, un comercial realizado para la compañía Nissan se remite a la idea de cuerpos desnudos que evolucionan, primero se muestra a la niña de seis años que toca el agua, luego el señor que se arroja al vacío para después caer como un anciano. Al final se muestra un long shot de algún atleta que realiza marometas en el aire para caer frente a un Nissan, y se muestra el slogan “Made to imrpove your performance”. En un principio pareciera no entenderse la idea, sin embargo, gracias a este mensaje icónico es posible comprender el objetivo del comercial y la promesa básica del mismo.

Esta misma idea es reciclada en el comercial de lanzamiento del BMW7 Series donde Cunningham primero hace un travelling a una plataforma de veinte metros aproximadamente, para luego mostrar en long shot al clavadista que se arroja a la fosa, luego se ve la fosa vacía y en el fondo el BMW, es lógico que uno piense que al llegar al vacío, la clavadista tendrá un golpe en su cabeza y morirá, pero resulta que no pues se dirige nadando al automóvil. Luego la cámara se coloca del lado del asiento del conductor, dando la sensación de que la atleta está nadando frente al espectador. Esta idea del medio acuático juega con la idea de placer que se maneja en el slogan de la campaña “She drives on pleasure”

El comercial de Flora de Gucci, inicia con el viento que sopla en la cara de Abbey Lee y se escucha de fondo la canción “I feel Love” que fuera interpretado por Donna Summer y hecho tributo por muchas cantantes de electro-pop (de hecho es principal tema del soundtrack de la película Rosario Tijeras) con algunos efectos agregados como el del viento. Esta canción si bien transmite una idea de sensualidad bastante explícita y eso es lo que siempre se aspira a transmitir en la publicidad de perfumes. La modelo mueve el viento en círculos y desde luego que así se mueve el campo floreado – gracias a las bazookas que disparan aire a gran presión. La luz solar que se observa atrás de la modelo es agregada por efectos especiales de posproducción, al igual que los múltiples movimientos del vestido de Abbey.

No se podría analizar a Cunnigham si se olvida el comercial de “Mental Wealth” donde este director presenta a una modelo de rasgos asiáticos deformados vestida de lolita – similares a los que se presentan en Come to Daddy, donde ahora esta jove da un anuncio claro y contundente a la humanidad sobre el progreso tecnológico y a su vez Cunningham justifica su trabajo.

Acá les posteo un video de este genio audiovisual, para que más o menos profundicen (sin albur) claro, si les interesa